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Emerging Filmmakers Night - Q&A with Ben Mallaby

Erifili Missiou — 2020-05-22T15:35:19Z

Despite our collective laptop confinement, the EFN team has managed to create a fun and interactive film experience in their 2nd LIVESTREAM event.

The multi-award winning directors Francesco Gabrielle, Francesca Fowler and Ben Mallaby livestreamed their films and engaged in an informative and fun Q&A. In real time, the directors answered questions submitted to them by our cinephile audience.

We especially enjoyed the two shorts films by BAFTA-nominated comedy director Ben Mallaby and listening to him describe how he works with actors to get stellar performances.

Below is an clip of the event with Ben's Q&A.

You can still watch the entire event on Facebook.

Get in touch or comment if you have any suggestions, input or questions you'd like to ask the team or one of the participating directors.

Q&A with Paul Howard Allen, dir. Mega Sexy Robot Dinosaur - Clermont 2020

Abla Kandalaft — 2020-02-12T12:44:23Z

INTERVIEW VIDEO TO COME

A silly (in all the best ways) short very much made for fun that certainly made me laugh! Glad it made it into the Clermont competition.

How much do you enjoy artistic experiments?

Cinema audiences these days are incredibly smart and cinema literate so it's really fun to be mischievous and play with people's expectations. This is the beauty of short film, it allows you to explore your weirdest ideas without having to satisfy a commercial agenda.

Why was the Kubrick reference important?

Kubrick epitomises the cinematic auteur, someone who defines the idea of pushing boundaries through a singular artistic vision. The absurdity of referencing such a cinematic legend in a film that uses Comic Sans amused me.

Is the word “Fin” only for French viewers or is it from the original English speaking version?

‘Fin' is in the original English version and plays with British/Americans caricatures of European arthouse films as pretentious. I was hoping to satirically embody pretention and therefore it felt like a natural way to end the film. Being at the most prestigious short film festival in the world, in France, it's starting to look like a bad judgement call.

To conclude, what did inspire you most : sex, robots or dinosaurs?

Ha, I tried to pick three of the most interesting and intriguing words I could for the title – self consciously making the equivalent of film festival ‘click bait'. But in answer to your question, robots. Who am I kidding – sex. No, it's robots.

Would you say that the short film format has given you any particular freedom?

I made a feature film 10 years ago and freedom is definitely something that I have experienced coming back to the short film format. The feature film world is moving to safer and safer places with endless sequels and projects based on established franchises, so it's liberating to see bold, uninhibited ideas being expressed in this space.

What are your works of reference?

The main inspiration for this film was a short film called Iranium directed by Harald Hund that I watched at a documentary film festival in Eindhoven called DocFeed. It playfully challenged the documentary form in a way I'd never seen before and got me thinking about just how much you could play with the expectations of an audience.

Drama - East End Film Festival (preview)

Abla Kandalaft — 2015-06-27T10:53:19Z

Struggling actress Anna is at the end of her tether. Still reeling from a recent breakup with dial-a-scumbag John and a failed audition, she packs up and heads for Paris to spend a few days with her gay best friend, Jean. Meanwhile, John is in Paris on business and Jean's relationship with Philippe is going sour. So far so common or garden chick flick. But director Sophie Mathisen, who also plays Anna, eschews the usual hysterical escalations and slapstick and instead gives the space and time for moments between the various characters to unravel, allowing us to see them as much more than the grating clichés they could so easily be.

From Anna's desperate attempts to rekindle the romance with an obviously disdainful John to Jean's growing, nerve-wracking annoyance at Philippe, the film is rife with moments that make for uncomfortable viewing; a credit to Sophie's work in this understated, sharply-observed and genuinely enjoyable tragicomedy.

Dir: Sophie Mathisen, 2014

Drama will be screened as part of the East End Film Festival at the Genesis Cinema on 8 July 2015. Followed by a Q&A. More info here.

Les héritiers

Clotilde Couturier — 2014-12-12T17:06:07Z

« Les héritiers », personne ne m'en avait parlé. Parfois, vous allez au cinéma pour l'excuse, parce que c'est sympa de partager un moment avec un(e) ami(e) et qu'il faut bien se trouver une excuse. C'est ainsi que se font sans doute les plus belles rencontres, celles dont vous n'attendez rien. Car la rencontre avec ces « héritiers » fut grisante.

« Les héritiers » m'a beaucoup fait sourire. Car on voit à l'écran ceux qu'on voit dans les classes. Avec leurs sincérités et leurs excès. Avec leur capacité aussi, à faire effectivement preuve de respect quand ils sont confrontés au Respectable. Les personnages du film se mêlent à la mémoire et sont une réplique tellement exacte des Lycéens… Ce réalisme bouleversant ne fonctionne que grâce au travail efficace et appliqué de Marie-Castille Mention-Schaar qui parvient ainsi à nous immerger totalement dans la classe de Seconde du Lycée Léon Blum à Créteil.

Pour réussir cette immersion, « Les héritiers » sort du « Cinéma » au sens esthétique du terme, où la glorification du sujet par l'image transporte vers des perspectives fantasmées. Au contraire, c'est un film du réel qui nous est livré comme un joyau brut qui n'a pas encore été taillé et dont les facettes se devinent sans nous éblouir. Mais je ne crois pas au hasard. « Les héritiers » dénonce précisément, à plusieurs reprises, la manipulation du spectateur par l'image. L'image glorifiée, l'image embellie, l'image prédicative. Vous ne verrez pas de ces images travaillées dans « Les héritiers ». Pas d'étourdissement donc. Uniquement la puissance du Vrai et beaucoup d'ambition.

Car même s'il ne nous éblouit pas de séquences « trop stylées », il est impossible de douter du rayonnement des Héritiers.

C'est par ailleurs une véritable revanche sur les clichés. Dans « Les héritiers », il y a de tout et les personnages passent d'un schéma à l'autre sans vraiment respecter les cases, bien que chacun ait une personnalité qui lui est propre. De plus, chacun des élèves nous est montré comme un vecteur d'influence sur ses proches et le groupe dans son ensemble.

Bien sûr, le film propose une vision optimiste du réel et la réalisatrice a cédé à certaines tentations, comme la séquence du héros musulman qui efface les insultes antisémites. Mais il ne faut pas nier l'existence de ces petits gestes dans le réel. Ils arrivent et c'est important de le montrer, plutôt que de donner à voir uniquement l'opposition comme c'est souvent le cas avec les tristes Actualités. Une opposition qui n'est d'ailleurs pas négligée et qu'on rencontre dans « Les héritiers », un film toujours honnête.

Le geste du héros nous est par ailleurs livré avec une autre vérité : il agit car les insultes touchent des individus qui lui sont proches et avec lesquels il souhaite maintenir le lien… pour des raisons très personnelles. De fait, « Les héritiers » traite essentiellement de ce lien à l'autre. Et du rapport à la connaissance de l'autre par la plongée dans une réalité documentée. L'épigramme des Héritiers est d'ailleurs : « En comprenant l'Histoire, ils vont forger la leur ». Il est vrai que si nous perdons le lien avec l'autre, nous pouvons sans nous en rendre compte le stigmatiser, lui assigner une identité qui n'est pas la sienne mais un stéréotype, et cela est aussi montré dans le film… « Les héritiers » nous présentent toujours les deux visions d'une même question, le prisme individuel étant complètement mis à nu pour justifier chaque acte, ou presque. Un seul acte présenté dans le film restera sans explication, sans doute car il y a des actes qui dépassent certaines frontières et ne peuvent plus être expliqués. Chapeau bas à la réalisatrice qui réussit ainsi à couper tout lien avec une éventuelle velléité de propagande idéologique et met en évidence le jeu de funambule que doit mener à bien l'Ecole pour que chacun y ait sa place.

(c) Guy Ferrandis - UGC Distribution

Après avoir vu le film, il ne vous paraîtra ni surprenant ni étrange d'apprendre que « Les héritiers » est inspiré de l'histoire d'Ahmed Dramé, interprète de Malik dans le film, jeune de Créteil ayant lui-même traversé la classe de Seconde du Lycée Léon Blum il y a seulement 5 ans. Et que « Les héritiers » est d'abord issu de son rêve d'écrire des scénarios de films, de ses démarches personnelles auprès de réalisateurs, de son envie de témoigner sur cette année particulière, sur cette enseignante anti-morosité, sur ce Concours National de la Résistance et de la Déportation qui l'a transformé, lui. Il en a aussi tiré un livre dont le titre vous en révèlera un peu plus sur son sentiment personnel : « Nous sommes tous des exceptions. » (éditions Fayard)

« Les héritiers » est une leçon pour chacun de nous. Une leçon du succès, de la foi et de l'espoir. Une leçon aussi contre le racisme. Car oui, le noir de cité PEUT. Oui un noir de cité peut gagner un concours, oui un noir de cité peut écrire un film, oui un noir de cité peut aimer Goya, oui un jeune de banlieue peut réussir, sans voler des téléphones ou des voitures… S'esbaudir du truisme est d'un désuet !

Peut-être que « Les héritiers » est fait de trop d'Humanité et qu'une trop belle « happy end » attend notre Jeunesse… Ou peut-être qu'il est temps d'entendre ce message de bienveillance et de respect à l'égard de l'autre ? Pourquoi ne pas rejoindre la Fraternité ?

Dir : Marie-Castille Mention-Schaar, 2014

Papa was not a Rolling Stone

Clotilde Couturier — 2014-10-05T18:59:45Z

« Papa was not a Rolling Stone » est un film autobiographique réalisé par Sylvie Ohayon avec Doria Achour, Soumaye Bocoum, Aure Atika, Sylvie Testud et Marc Lavoine. Chorégraphies par Kamel Ouali. Bande son par Nousdeux the band. Interprétation inédite de "Envole-moi" par Jean-Jacques Goldman. Sortie en salles le 8 octobre 2014.

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« Papa was not a Rolling Stone », le premier film de Sylvie Ohayon, m'a au premier abord surprise, car le film porte en lui une image années 80 – 90 très marquée !
« Papa… » pourrait tout à fait être un film de la fin des années 80 dont la sortie serait repoussée depuis 30 ans. Le cadrage, le rythme, les tenues et le langage sont ceux d'une autre époque. Cela peut gêner dans le début du film, mais peut aussi embarquer les nostalgiques sur une voie de navigation cinématographique qui n'a plus été empruntée depuis. Conseillé donc fortement à tous les bébés des seventies ! Mais pas seulement…

Rapidement, on est emporté par l'élan de vie qu'incarnent la comédienne principale - la superbe Doria Achour - et l'interprète de sa meilleure amie - Soumaye Bocoum - toutes deux très talentueuses. Mention spéciale à Soumaye Bocoum qui porte la spontanéité et l'émotivité à l'écran dans une sincérité extraordinaire.

Abordant parallèlement l'envol professionnel et la sortie de l'adolescence d'une jeune fille issue de la Courneuve, « Papa… » est un film qui me semble fait avec beaucoup d'amour. Dans le traitement des personnages autant que dans la composition du scénario avec ses scénettes du quotidien, le film transpire d'une tendresse profonde envers le « village » de la Courneuve, ses protagonistes et ses traditions, sans pour autant négliger de nous donner à voir ses travers et abus.
« Papa… » veut valoriser le sourire et la persévérance des banlieues afin d'en donner une image bienveillante bien que réaliste. En cela, c'est un peu tout l'opposé de « La haine » qui en présentait le pan révolté. « Papa… » aurait très bien pu s'appeler « La tendresse ».

Mais cette tendresse n'est pas douceur et le film est très dur dans les mots échangés entre adolescents et dans les épreuves rencontrées. A l'image de la réalité de chacun d'entre nous, quelle que soit notre origine ethnique, religieuse ou sociale. Au passage, l'écriture, dans les dialogues comme dans les réactions des personnages, est particulièrement remarquable. Nous trouvons tous à nous identifier dans ces rapports humains qui positionnent « Papa… » à la limite du film documentaire.

Ce film est aussi une autobiographie et le grand absent s'y fait bien sentir : la figure paternelle. Celui qui , dès le titre, « n'est PAS ». Terriblement absents, les hommes montrés comme personnages principaux sont très décevants, bien que physiquement attrayants. Au milieu d'eux, le personnage du (très) beau Rabah (tout à fait à droite sur cette photo du film) brille auréolé de cette lumière aveuglante qu'est le Premier Amour. Au passage, prestation tout aussi réussie pour ce jeune comédien (Rabah Naït Oufella) ! Si le personnage de Rabah est sublimé un instant, seules les femmes se montrent intelligentes et audacieuses dans « Papa was not a Rolling Stone » : l'amie, l'enseignante-artiste, la grand-mère et même la mère qui n'arrive pas à grandir... Alors que tous les personnages masculins ayant une image positive sont mis au second plan, que ce soit l'idole inaccessible, les amis de notre héroïne ou son partenaire de Danse, magnifique athlète dont nous n'apprendrons absolument rien et auquel est pourtant réservé un très beau clin d'œil à la fin du film. Ce procédé donne à « Papa… » un ton hyper féministe, mais il permet surtout de coller à la sensibilité de Stéphanie, qui n'a plus aucune confiance envers les hommes et évolue dans un univers qu'elle ne voit plus qu'au féminin, ce qui lui confère l'incroyable assurance dont elle fait preuve.

Si ce choix a son intérêt, il m'a laissé sur mon envie d'entendre davantage la voix de l'enfant seul, sans rePère, qui demande « Papa où t'es »... Cela ne semble pas être la question de Sylvie Ohayon, qui a préféré creuser sa trame dans la traversée d'une rupture libératrice, une histoire d'adultes au milieu de l'enfance. Pour ce choix, j'ose dire que « Papa was not a Rolling Stone » est le pendant swagg de « La boum », offrant la vision d'une autre jeunesse avec tous ses possibles. Une vision qui manquait cruellement au cinéma des années 80-90... Justice lui est désormais rendue.

Bien que livré à notre regard sous la forme d'une touchante comédie, « Papa… » met en avant l'obstination acharnée du triple combat de Stéphanie : une carrière professionnelle fondée sur le mérite, la revendication de son droit à la sexualité et l'émancipation de son origine.
« Papa was not a Rolling Stone » attaque ainsi sur tous les fronts de l'égalité.
Continuons le combat.

Dir : Sylvie Ohayon, 2014

Day 1 : Coverage of 'The Burbs' at the N21 Film Festival in London

Sophia Freeman — 2012-06-18T20:39:41Z

Situated in leafy Winchmore Hill, the N21 Film Festival - part of the N21 Festival, launched for the first time this year, kicking off Saturday night with a screening of Joe Dante's late nineties horror comedy - ‘The Burbs'.

The first thing you notice about Winchmore Hill is its ‘village' feel. Upon leaving the train station (which has no gates - presumably because there aren't many fare jumpers in the local area) you are confronted with the village green - where earlier in the day, as part of the festival event, the local residents had been participating in a spot of Morris Dancing.

While exploring the area I quickly got chatting to a lady who'd been enjoying the day's festivities, I soon found out her son owned the local dentistry clinic, The Fenton Dental Studio - who coincidentally was sponsoring the night's screening. She kindly walked me the venue where popcorn, alcohol and goody-bags awaited.

Initially I considered the selection of films featured in the festival a little bizarre, but after a discussion with festival curators John Stewart and Ellie Philips it became clear that themes of identity - and loss of identity ran throughout their choices. Many locals consider Winchmore Hill a tight-knit community, slowly being engulfed by a sprawling London and disconnected by the rise of social media networking sites. Residents, mainly white and middle class, seem fearful of what this ‘loss' of identity (or development of a new one?) might entail.

‘The Burbs' is perhaps a fitting film, with more laughs than scares the film addresses paranoïa in the suburbs - poking fun at suburban environments and their eccentric inhabitants. With tongue firmly in cheek I considered how neighbourly paranoïa - a key theme throughout the film - had been felt in varying degrees by the residents of Winchmore Hill sitting alongside me.

More impressive than the free goody-bag, popcorn and Pizza Express takeaway we were treated to at the end of the evening, was an interview, organized by festivals curators and editor of New Empress Magazine (Helen Cox) with The Burbs director - B Movie legend - Joe Dante. Filmed a few nights previously over Skype, in the top floor of the local pub Helen Cox was allocated 15 minutes to quiz Dante about such pressing questions, including why anybody is yet to make cult TV series Eerie Indiana into a feature film. Dante agrees it would be a no-brainer.

I throughly recommend the festival to both devout film fans and those looking for an entertaining evening. If you can, try to catch Carol Morley's fantastic ‘Dreams of a Life' which is being screened on Wednesday alongside a Q&A with the film's producer - Cairo Cannon.

Sophia Freeman

Dernier étage gauche gauche (Top Floor Left Wing)

Abla Kandalaft — 2010-11-29T14:20:03Z

When they chose the poster that would advertise the film, little did the team behind Dernier étage gauche gauche imagine they would have a lawsuit on their hands. Indeed, the day of the Paris premiere of the film, the producers and director informed us pre-screening members of the audience that they were being taken to court by bailiffs for (incredibly) sullying their professional reputation and a fortiori encourage acts of violence against them. The poster features veteran French actor Hyppolite Girardot's head poking out of a bathtub, clearly bound and gagged, terrified eyes straining to look at what is most probably his captor. The tagline reads: “Cité Villon, on sait recevoir les huissiers… » (we make bailiffs feel welcome). At the time of writing the distributor informed me that it's been sorted and they won the case! So hooray for that.

On to the actual end product: Girardot plays diminutive bailiff François who, along with a police escort, is on the way to repossess the flat of Berber immigrant Mohand and his son Salem, residents of a unit in a massive low rent tower bloc in the Paris suburbs. They bump first into the father, who seems to cooperate and informs them that he had paid off his debts that very morning. Somehow it all goes tits up when the son gets involved along with his drugs, his dealer friend, his weapon and his insufferable arrogance tinged with a hint of sheer stupidity. As one might have guessed from the poster, in the general kerfuffle François gets taken hostage by the two residents.
From then on a series of events unfold, which become at times so absurd they are laugh out loud funny. I would like to say the film is telling of the social misery of the Parisian suburbs, of the geographical ghettoisation of low income families or the radicalisation of second generation immigrants and so on and so forth but, well it doesn't really. Not that that matters. The film simply follows the goings on and actions of all the people involved in a random flat being repossessed. The actors deliver. The spectator gets a sense of all the above but I think it would be pretentious to read into it too much of a socio-academic issue or a political standpoint. To put it simply it's a laugh no more no less.

Dir: Angelo Cianci, 2010

Fix me-out 17 nov in Paris

Abla Kandalaft — 2010-11-14T12:38:58Z

Fix me is, or at least aims to be, according to director Raed Andoni, a film about the migraines that plague him. And indeed, at first glance, the subject matter is Raed's psychoanalysis, not particularly weird or abstract, the type undertaken by the likes of Tony Soprano. Importantly, Raed is adamant that this should be the focus of the film. He is very sensitive to the inevitable label of militancy that tends to adorn the work of Palestinian and Middle Eastern filmmakers. Raed, although he has an opinion on the subject, does not want to make a film about “the situation” in the Middle East, he refuses to act as a “bridge” between Palestinians and Israelis, under the misty-eyed glare of European and American critics. Fix me is not meant to expose, accuse or uncover. It is an (somewhat indulgent, often comical) account of one man's struggle to cure his incessant headaches and rationalise what looks like an identity crisis.

Throughout the film we follow Raed as he undergoes analysis, speaks to friends and attempts to write down his observations. Although at times a little slow-moving, it is a touching, absurd, funny and Raed's confidences to his psychoanalyst of being out of touch with the rest of his peers and the world in general are oddly reminiscent of Woody Allen's dialogues.

And yet, the occupation hangs over everything like a black cloud. As he tries to uncover the reasons behind his physical and psychological perturbations, Raed delves into his own personal journey in which this political and economic reality is embedded. Firstly, it dots the landscape he films in. Raed is from Ramallah and whenever he goes for a drive he passes the infamous wall tracing the outlines of the territory he can circulate in, he encounters checkpoints and soldiers, there are areas he cannot travel to. As he talks to his family, his friends and acquaintances, talk of the consequences of the occupation are interwoven in their dialogues as it turns out that pretty much every man has a some point been to prison, without apparent reason, so much so it seems that doing time in Israeli jails is a rite of passage. This impression was only exacerbated by the fact that this was not the focal point of the conversations; it was just brought up now and again with the same emotional intensity of a disappointing university course. All of them had been submitted to, to put it very mildly, brutal treatment and yet they carried on conversing about loved ones, plans for the day, ambitions, TV shows. If nothing else, the film is a tribute to the sheer resilience people are capable of.

At one point, a British man tells Raed “Palestinians tend to accept as normal what in most countries would be considered abnormal”. Anything Raed's interlocutors go through would be seamlessly interwoven into the fabric of their daily lives as much as career stress, relationship breakdown or paying the rent might be for the average European. As a consequent, Raed doesn't have to go out of his way to avoid or include talk of conflict, occupation and restrictions; they make up the background for whatever story or plot he chooses to focus on. In fact, as he journeys through his own past, Raed sheds light on the role these might have played in something as mundane as his present migraine.

Overall, Fix me raises valuable questions of identity, something Raed feels is an increasingly slippery topic. Not quite a documentary, not quite a film, the hybrid genre might not appeal to everyone but it is captivating work nonetheless. It oscillates between absurd, sometimes surreal comedic moments and touching displays of humanity, without at any point being didactic or patronising towards its audience. It is an incredibly original piece of work and a testimony to the surprising development of a Palestinian film industry.

Dir: Raed Andoni, 2009

La Vie au ranch - Chicks

Luc Verdier — 2010-10-18T03:33:13Z

Le film regarde longuement ce qui ne nous est pas demandé de regarder. Quelque chose, de votre regard, qui dérange l'ordre établi, fusse-t-il bourgeois. Il y a une fascination pour la durée laquelle démasque ce qui se joue derrière les apparences, derrière ce regard de surface. De ce point de vue, lorsque l'échappée belle du groupe survient, nous restons sans mot. La surface des visages s'assombrit. L'immobilité se dépose. Quelque chose d'irréversible pointe. Notre regard dérouté change de localisation et nous nous demandons ce qui va advenir de cette énergie bouleversante qui irradiait jusque-là.

Dir : Sophie Letourneur, 2009

Luc VERDIER, cinéaste de l'ACID

The film will be released in France on 13 October 2010

Four Lions: The Sequel

Judy Harris — 2010-07-20T14:22:15Z

Chris Morris's next project is at once brutal and hilarious- a comedically honest, unflinching encounter with imperialist rhetoric.

Set in the outskirts of Jalalabad it follows four lovable but extraordinarily stupid and undereducated white British army soldiers (and one privately educated officer) as they storm about town misquoting Plato's Republic and obnoxiously espousing the virtues of democracy. Whether accidental or intentional, the killing of hundreds of civilians is either an enduring pain in the ass or an extreme sport. Despite their wanton violence Morris allows us to warm to the characters as they naively attempt to teach a group of local children to rap the lyrics of William Blake's ‘Jerusalem'.

Unable to speak either Pashto or Dari the men find themselves in some sticky situations while making their way to the site of a (wrongly) rumoured visit by Cheryl Cole. In a tight spot after storming a children's hospice which they suspected was a site of female genital mutilation (they shout "protect the pussy!" as they break through the doors and subsequently have all kinds of discussions about pleasing 'their women'), the blokes from Blighty manage to save themselves by frantically shooting at people every which way, their rifles engraved with Biblical quotations.

Morris enjoys provoking sizable laughs at the violence, racism and greed implicit in their mission.Though he is unafraid to humanise his protagonists despite their blatant racism and stupidity, he remains critical throughout. Officer Lyttleton (a crudely but hilariously portrayed Oxbridge toff) is the only main character to survive, the rest of his ludicrously dim and poorly educated comrades (with barely an NVQ between them) are slaughtered only weeks before they were due to return home. The film ends a year later, in Lyttelton's office at Exxon Mobil. Underneath the desk Officer Lyttleton is fucking his brother-in-law. Above him, next to a photo of his wife and kids, stands a picture of the five men laughing together on the banks of the Kabul river.

Verdict: a comedy of terrors

Dir: Chris Morris, 2010